Você tem uma ideia para uma peça - talvez sua ideia seja brilhante. Você quer desenvolver o enredo para ser cômico ou dramático, mas como? Embora você possa querer entrar diretamente no processo de escrita, seu drama será mais poderoso se você gastar muito tempo planejando a história antes de começar a escrever o primeiro rascunho. Depois de refletir sobre a narrativa e delinear sua estrutura, escrever uma peça se tornará mais fácil.
Etapa
Parte 1 de 3: Pensando na Narrativa
Etapa 1. Decida que tipo de história você deseja contar
Embora cada história seja diferente, a maioria das peças se enquadra em categorias que ajudarão os espectadores a entender como interpretar as relações e as cenas que veem. Pense nos personagens que você criará e, em seguida, considere como deseja contar suas histórias. São eles:
- Tem que desvendar um mistério?
- Através de vários tipos de dificuldades para se desenvolver?
- Crescendo na transição de uma infância inocente para uma experiência?
- Indo em uma jornada, como a jornada perigosa que Odisseu fez na Odisséia?
- Colocando as coisas em ordem?
- Através de vários obstáculos para atingir um objetivo?
Etapa 2. Pense nas partes básicas do arco narrativo
O arco narrativo é a progressão do drama do início, meio e fim. Os termos técnicos para essas três passagens são exposição, complicação e resolução - todas as peças devem ser escritas nessa ordem. Não importa quanto tempo sua peça durará ou quantas cenas você criar, um bom drama se desenvolverá nessas três partes. Observe como você deseja desenvolver cada seção antes de escrever a peça.
Etapa 3. Decida o que incluir na seção de exposição
A exposição abre a peça fornecendo as informações básicas necessárias para acompanhar a história: Quando e onde a história se passa? Quem é o personagem principal? Quem são os papéis coadjuvantes, incluindo o papel do antagonista (um papel que apresenta um conflito central para o personagem principal), se houver? Quais são os principais conflitos que esses personagens enfrentam? Qual é o clima transmitido em seu drama (comédia, drama romântico ou tragédia)?
Etapa 4. Transforme a exposição em uma complicação
Na seção de complicações, as cenas parecerão difíceis para os personagens existentes. O conflito principal ficará mais claro à medida que as cenas aumentam a tensão do público. Esse conflito pode ocorrer com outro personagem (antagonista), condições externas (guerra, pobreza, separação de um ente querido), ou consigo mesmo (ter que superar as próprias inseguranças, por exemplo). As complicações culminarão em um clímax: uma cena em que a tensão está no auge e o conflito vai esquentar.
Etapa 5. Decida como o conflito terminará
A resolução aliviará a tensão do conflito culminante no final do arco narrativo. Você consegue ter um final feliz - o personagem principal consegue o que quer; o público final trágico aprende algo com as falhas do personagem principal; ou liquidação (desfecho) - todas as questões respondidas.
Etapa 6. Compreenda a diferença entre enredo e história
A narrativa de um roteiro de peça é composta de enredo e história - dois elementos distintos que devem ser desenvolvidos juntos para criar um drama que irá capturar a atenção do público. E. M. Forster define história como o que acontece no drama - a abertura de cada evento em ordem cronológica. Enquanto a trama é a lógica que conecta todas as cenas que ocorrem ao longo da trama e a fortalece emocionalmente. Exemplos das diferenças entre os dois são:
- História: O amante do protagonista termina com ele. Então, o protagonista perde o emprego.
- Sinopse: O amante do protagonista decide. Com o coração partido, ele entrou em depressão, o que afetou seu trabalho, por isso foi demitido.
- Você tem que desenvolver uma história convincente e fazer a peça correr rapidamente para chamar a atenção do público. Ao mesmo tempo, você deve mostrar como essas ações se relacionam com o desenvolvimento do seu enredo. É assim que faz com que o público se preocupe com a cena exibida no palco.
Etapa 7. Desenvolva sua história
Você não pode aprofundar a ressonância emocional da trama até ter uma boa história. Pense sobre os elementos básicos de uma história antes de desenvolvê-la com sua escrita que responde às perguntas abaixo:
- Onde acontece a história lugar?
- Quem é o protagonista (personagem principal) da sua história e quem são os outros personagens coadjuvantes importantes?
- Quais são os principais conflitos que esses personagens enfrentam?
- Quais são os “eventos de apoio” que constituem a ação principal da dramatização e conduzem ao conflito principal?
- O que acontece com os personagens quando eles enfrentam o conflito?
- Como o conflito é resolvido no final da história? Como isso afeta cada personagem?
Etapa 8. Aprofunde sua história desenvolvendo um enredo
Lembre-se de que o enredo desenvolve as relações entre todos os elementos da história mencionados na etapa anterior. Quando você pensa sobre o enredo, você deve tentar responder às seguintes perguntas:
- Qual é a relação entre um personagem e outro?
- Como os personagens interagem com o conflito principal? Quais personagens serão mais afetados pelo conflito e como o conflito os afeta?
- Como você pode estruturar a história (cenas) para que cada personagem enfrente o conflito principal?
- É uma progressão lógica e casual que conecta uma cena a outra, estabelecendo assim um enredo contínuo que leva à cena clímax e à resolução da história?
Parte 2 de 3: Determinando a Estrutura do Drama
Etapa 1. Comece com uma peça de um ato se você for novo na escrita de scripts
Antes de começar a escrever uma peça, você precisa entender como estruturá-la. O drama de um ato continua sem interrupção e é um ponto de partida para pessoas novas na escrita do roteiro. Exemplos de peças de um ato são "The Bond", de Robert Frost e Amy Lowell, e "Gettysburg", de Percy MacKaye. Embora as peças de um ato tenham a estrutura mais simples, lembre-se de que todas as histórias requerem um arco narrativo com exposição, complicação e resolução.
Como não há tempo de descanso, a peça de um ato requer uma configuração mais simples e troca de roupa. Simplifique suas necessidades técnicas
Etapa 2. Não limite a duração de sua peça de um ato
A estrutura de um drama de um ato não tem efeito sobre a duração do show. A duração desses dramas pode variar - algumas produções duram apenas cerca de 10 minutos e outras mais de uma hora.
As peças Flash são peças muito curtas de um ato e podem durar de alguns segundos a 10 minutos. Esse tipo de peça é adequado para apresentações em escolas e teatro comunitário, bem como competições feitas especialmente para teatro flash. Veja a peça "A Time of Green" de Anna Stillaman como um exemplo de drama relâmpago
Etapa 3. Forneça um cenário mais complexo para a peça de dois atos
Peças de dois atos são as estruturas mais comuns encontradas no teatro contemporâneo. Embora não existam regras que definam a duração do ato de uma peça, em geral, o ato de uma peça dura uma hora e meia com uma pausa para o público entre os dois atos. O intervalo permite que o público aproveite indo ao banheiro ou relaxando, pensando no ocorrido e discutindo os conflitos que se apresentaram no primeiro ato. Além disso, o tempo livre também pode ajudar a equipe a fazer grandes mudanças no cenário, nos trajes e na maquiagem. Os intervalos geralmente duram cerca de 15 minutos, portanto, providencie para que as tarefas da tripulação sejam concluídas dentro desse período.
Como um exemplo de uma peça de dois atos, veja a peça "Hölderlin" de Peter Weiss ou "The Homecoming" de Harold Pinter
Etapa 4. Ajuste o enredo para se adequar à estrutura da peça de dois atos
A estrutura da peça em dois atos não muda apenas a quantidade de tempo que a equipe leva para fazer os preparativos técnicos. Já que o público tem uma pausa no meio da peça, você não pode tratar a história do show como uma narrativa fluida. Você deve estruturar sua história em torno de intervalos para manter o público tenso e pensando no final do primeiro ato. Quando eles voltam das férias, eles podem imediatamente se deixar levar pelas complicações da história.
- As complicações devem surgir no meio do primeiro ato, após a exposição ao fundo.
- Siga a seção de complicações com algumas cenas que aumentam a tensão do público - seja dramático, trágico ou cômico. Essas cenas devem continuar subindo até chegar ao conflito principal que encerrará o primeiro ato.
- Termine o primeiro ato depois que a tensão da história aumentar. O público ficará impaciente com o intervalo e voltará animado para assistir ao segundo tempo.
- Comece o segundo capítulo com uma tensão menor do que quando terminou o primeiro. Você tem que lembrar o público da história e do conflito do drama.
- Mostre algumas cenas de drama em dois atos que aumentam a tensão do conflito até o clímax da história, ou quando a tensão e o conflito estão no auge, antes que o drama termine.
- Acalme o público no final com ação descendente e resolução. Embora nem todos os dramas precisem de finais felizes, os espectadores devem sentir como se a tensão que você acumulou ao longo do caminho acabou.
Etapa 5. Distribua enredos mais longos e complexos com uma estrutura dramática de três atos
Se você é novo na escrita de roteiros, é melhor começar com uma peça de um ou dois atos porque uma peça em tempo integral ou peça de três atos manterá os espectadores em seus lugares por duas horas! Você precisa de experiência e capacidade de montar uma produção que consiga prender a atenção do público por tanto tempo, então é melhor fazer um drama simples primeiro. No entanto, se a história que você deseja contar é bastante complexa, um drama de três atos pode ser sua melhor aposta. Como uma peça de dois atos, esta permite que você faça grandes mudanças no cenário, nos figurinos, etc. durante o intervalo entre um ato e outro. Cada ato deve ser capaz de atingir seus próprios objetivos de narrativa:
- O primeiro ato é a exposição: reserve um tempo para apresentar os personagens e o histórico de cada um. Faça o público prestar atenção no personagem principal (protagonista) e na situação para garantir uma reação emocional quando houver um problema. O ato 1 também deve apresentar questões que serão desenvolvidas ao longo do show.
- O segundo ato é uma complicação: a tensão aumenta para o protagonista à medida que o problema se torna cada vez mais difícil de lidar. Uma boa maneira de aumentar a tensão no segundo ato é revelar uma parte significativa do histórico do personagem conforme eles se aproximam do clímax do ato. Essa revelação deve plantar dúvidas na mente do protagonista antes que ele encontre forças para enfrentar o conflito em seu caminho para a parte da resolução. O Ato 2 deve terminar com tristeza e mostrar todos os planos do protagonista desmoronando.
- O Ato 3 é a resolução: o protagonista pode repassar os problemas do Ato 2 e encontrar uma maneira de chegar à conclusão da história. Lembre-se de que nem todos os dramas têm finais felizes; o herói da história pode morrer com a resolução da história, mas o público deve ser capaz de aprender algo com esse incidente.
- Exemplos de peças de três atos incluem "Mercadet" de Honore de Balzac e "Pigeon: A Fantasy in Three Acts" de John Galsworthy.
Parte 3 de 3: Escrevendo um roteiro dramático
Etapa 1. Crie um esboço para o ato e as cenas
Nas primeiras duas partes deste artigo, você refletiu sobre as idéias básicas sobre arcos narrativos, história e desenvolvimento do enredo e estrutura do drama. Agora, antes de começar a escrever uma peça, você precisa colocar essas idéias em um bom esboço. Para cada ato, escreva o que aconteceu em cada cena.
- Quando são introduzidos personagens importantes?
- Quantas cenas você fez e o que aconteceu em cada uma delas especificamente?
- Certifique-se de que cada ocorrência na cena leve à próxima cena para que o enredo possa se desenvolver.
- Quando você deve alterar o plano de fundo? O traje? Considere coisas técnicas como essa ao planejar como a peça será encenada.
Etapa 2. Crie um esboço escrevendo um script
Assim que tiver um esboço, você pode começar a escrever sua peça. Escreva um diálogo básico no início da história, sem se preocupar se parece natural ou como o ator se moverá pelo palco e encenará sua peça. No primeiro rascunho, você tinha que fazer do “preto no branco” uma peça, como disse Guy de Maupassant.
Etapa 3. Tente criar um diálogo natural
Você deve dar a eles um roteiro forte para que possam dizer cada linha de maneira natural, real e emocionalmente forte. Grave-se lendo essas linhas no primeiro rascunho e ouça a gravação. Observe quando você soa como um robô ou exagera. Lembre-se, mesmo em peças literárias, os personagens precisam soar como pessoas comuns. O personagem não deve soar como se estivesse fazendo um grande discurso enquanto reclama sobre seu trabalho no jantar.
Etapa 4. Deixe a conversa se cruzar
Quando você conversa com seus amigos, raramente fala sobre um assunto com total concentração. Durante a dramatização, a conversa deve levar o personagem ao próximo conflito. Você precisará fazer algumas diversões para torná-lo mais realista. Por exemplo, ao discutir por que o amante do protagonista terminou com ele, você pode incluir duas ou três linhas de diálogo sobre há quanto tempo eles estão namorando.
Etapa 5. Insira uma interrupção na caixa de diálogo
Mesmo que não seja para ser rude, as pessoas costumam se interromper em uma conversa - mesmo que seja apenas com uma palavra de aprovação, como “Sim, entendo” ou “Sim, você está certo”. As pessoas também costumam se interromper mudando de assunto em suas próprias frases: "Eu só … estou bem se tiver que ir lá no sábado, mas … você sabe, tenho feito hora extra ultimamente."
Não tenha medo de usar frases fragmentadas. Embora sejamos treinados para nunca usar frases fragmentadas ao escrever, frequentemente as usamos quando falamos: “Odeio cães. Tudo"
Etapa 6. Adicione um comportamento ou comando de direção de estágio
Os comandos comportamentais permitem que os atores entendam a imagem que você tem da atuação no palco. As letras em itálico ou use parênteses para separar o comando de ação do diálogo falado. Embora os atores usem sua própria criatividade para dar vida às suas palavras, alguns comandos específicos que você pode dar incluem:
- Comando durante a conversa: [longo silêncio constrangedor]
- Comandos físicos: [Santi se levanta e anda nervosamente]; [Marni roendo as unhas]
- Estado emocional: [com medo], [com entusiasmo], [pega uma camisa suja e parece enojado com a visão]
Etapa 7. Reescreva quantos rascunhos forem necessários
Você não terá sucesso imediatamente ao criar uma jogada em seu primeiro rascunho. Mesmo escritores experientes precisam fazer vários rascunhos antes de ficarem satisfeitos com o resultado final. Não se apresse! Adicione mais detalhes que darão vida ao seu programa cada vez que reler o roteiro.
- Na verdade, ao adicionar detalhes, lembre-se de que o botão excluir pode ser seu melhor amigo. Como disse Donald Murray, é preciso “cortar o que é ruim e mostrar o que é bom”. Remova todos os diálogos e cenas que não causem ressonância emocional no drama.
- O conselho de um romancista chamado Leonard Elmore também pode ser aplicado ao drama: "Tente deixar a parte que o público vai pular".
Pontas
- A maioria dos dramas se passa em um determinado tempo e lugar, então você tem que ser consistente. Personagens da década de 1930 podiam fazer ligações ou enviar telegramas, mas não podiam assistir TV.
- Verifique os recursos no final deste artigo para um bom formato de drama e siga as orientações.
- Certifique-se de continuar escrevendo o roteiro se durante o show você esquecer uma fala, invente-a! Às vezes, o resultado será melhor do que o diálogo original!
- Leia o script em voz alta para vários visualizadores. O drama é baseado nas palavras e no poder que elas produzem, ou a ausência delas dirá.
- Não esconda o roteiro da peça para ser chamado de escritor!
Aviso
- O mundo teatral está cheio de ideias, mas o modo como você trata uma história é original. Roubar histórias de outras pessoas não só o torna imoral, mas também pode ser jogado na prisão.
- A rejeição certamente superará a aceitação, mas não desanime. Se você fica constantemente desapontado porque um de seus manuscritos foi rejeitado, crie outro.
- Proteja seu trabalho. Certifique-se de que o título da peça inclui o nome e o ano em que foi feita, seguidos do símbolo de copyright: ©.
