Você já saiu de um cinema e disse: “Acho que poderia escrever uma história melhor do que aquele filme”? Na verdade, muitas boas idéias para filmes podem ser difíceis de imaginar e bons roteiros podem ser ainda mais difíceis de escrever. Escrever para o cinema, especialmente para a tela grande, significa que você cria algo feito sob medida para a mídia visual. Embora possa ser muito difícil de fazer bem, um bom roteiro tem o poder de mudar a vida dos espectadores.
Etapa
Parte 1 de 3: preparando-se para escrever
Etapa 1. Identifique a forma do cenário
Ao contrário de contos ou romances, os roteiros são baseados em diálogo, ao invés de prosa ou descrição. A regra principal para escrever um roteiro é: você escreve visualmente. Filme é uma série de imagens, então as imagens no roteiro que você cria devem ser fortes e atraentes.
- Outra regra é esta: Cada parágrafo do comando de conduta deve ter três linhas ou menos. Isso significa que a descrição das roupas que os personagens vestem ou da maneira como agem em uma cena não deve ter mais de 3 linhas. Use o mínimo de palavras possível para descrever a ação ou o ambiente e deixe o diálogo falar.
- O pano de fundo e a motivação do personagem devem ser vistos a partir das ações e do diálogo do personagem, não na descrição do cenário. Os melhores roteiristas manterão a descrição do comportamento em não mais do que duas linhas por parágrafo ao longo do roteiro. No entanto, a descrição ainda pode ser mostrada pelo poder do diálogo.
- Use o tempo presente ao escrever o cenário. Isso manterá todas as cenas em execução em seu cenário, e é para isso que existem os cenários: para manter a ação e os personagens avançando.
- Como os outros, existem algumas exceções à regra de escrever apenas três linhas por cena. Por exemplo, o roteiro do filme de 2011 “All is Lost” de J. C. Franqueza e estrelado por Robert Redford, tem apenas 4-5 linhas de diálogo em todo o cenário. A maioria das ações que os personagens executam são mostradas por meio de longas descrições. Esse tipo de cenário é raro e muito difícil de criar bem.
Etapa 2. Familiarize-se com o formato do cenário
Os cenários são formatados de maneira diferente de outros tipos de escrita. A formatação do cenário é muito específica e pode incluir muito uso das teclas “tab” e “enter” se você estiver escrevendo usando um software de processamento de dados em um computador. Você pode usar um software que pode configurá-lo para você, como Final Draft, Scrivener e Movie Magic. Você também pode usar a versão básica do programa para formatar cenários gratuitamente na internet. Preste atenção a partes do formato do cenário, como:
- “Slug line”: A slug line é escrita em MAIÚSCULAS no início de uma cena e descreve um pouco sobre o local e o tempo da cena. Por exemplo: INT. JANTAR - MESMO. Às vezes, a linha do pacote é encurtada para “NOITE” ou “SALA”.
- INT / EXT: INT significa "interior" em uma configuração, por exemplo INT HOME, e EXT significa "exterior" ou um plano de fundo externo, como EXT HOME.
- Transições: as transições ajudam a mover-se de uma cena a outra no cenário. Exemplos de transições são FADE IN e FADE OUT, que são aberturas e fechamentos lentamente para ir para a próxima cena, e CUT TO, que significa ir direto para uma nova cena. Você também pode usar DISSOLVE TO quando uma cena termina e a próxima cena aparece lentamente para substituí-la.
- CLOSE UP ou TIGHT ON: Isso indica que a câmera está gravando alguém ou algo de perto. Por exemplo: “CLOSE UP on Mia's face.”
- FREEZE FRAME: Isso ocorre quando a imagem para de se mover e se torna uma foto na tela.
- b.g.: "b.g" significa "plano de fundo" ou "plano de fundo" para notar quando algo está acontecendo atrás do personagem principal. Você pode usar “b.g” ou “background” para gravá-lo no cenário. Por exemplo: “Dois personagens estão lutando em b.g”.
- O. S. ou O. C.: Este termo significa “fora da tela” ou “fora da câmera”. Isso significa que a voz do personagem será ouvida mesmo que a figura não seja gravada ou ouvida de outras partes do fundo. Por exemplo: “Heri gritou com Salman O. S.”.
- V. O.: Este termo significa “voice over”, que é quando um ator lê um diálogo sem estar gravado em uma cena e narra a cena. Esta abreviatura é escrita sob o nome do personagem antes de “voice over.
- Montagem: uma série de imagens que mostram um tema, contradição ou passagem do tempo. A montagem geralmente é usada para mostrar o movimento do tempo em um instante na tela.
- Captura de rastreamento: Este termo significa uma câmera seguindo um personagem ou objeto. Contanto que a câmera não esteja travada em algum lugar ou em um tripé e esteja seguindo um objeto, isso é chamado de captura de rastreamento.
Etapa 3. Dê uma olhada em alguns exemplos de cenários
São vários cenários quase perfeitos, como o roteiro do clássico filme “Casablanca” de 1942. Outros exemplos de cenário podem mostrar várias maneiras de alterar a forma do cenário. Por exemplo:
- “His Girl Friday”, roteiro de Charles Lederer.
- “Pulp Fiction”, roteiro de Quentin Tarantino.
- “When Harry Met Sally”, roteiro escrito por Nora Ephron.
- “Thelma & Louise”, roteiro de Callie Khouri.
Etapa 4. Observe os títulos das seções no cenário de exemplo acima
Os títulos das seções indicam o cenário da cena, às vezes com uma linha do tempo específica ou geral.
- No cenário “Thelma & Louise”, a primeira cena possui uma linha de slug: “INT. RESTAURANTE - MANHÃ (DIA ATUAL) ".
- No cenário “Quando Harry Met Sally”, a primeira cena tem uma linha de slug que não indica um lugar ou cenário específico: “PASSAGEM DOCUMENTÁRIA”. Isso indica que o filme começará com filmagens de documentário, em vez de uma cena em um cenário específico.
Etapa 5. Escreva uma descrição do cenário e dos personagens
Este elemento deve ser escrito com o mínimo de palavras possível, mas com muitos detalhes.
- No cenário “Thelma & Louise”, há um parágrafo de abertura sobre a personagem de Louise:
- O roteirista apresenta uma descrição de Louise por meio de sua profissão (“garçonete em um café”), roupas e aparência (“com trinta e poucos anos, mas não muito velha para ser garçonete”, “muito bonita e bem cuidada”) e suas ações (“colocando xícaras sujas rudemente”, “ÁSPERO, o que ele fez de propósito”). A presença de sons (escritos em maiúsculas no cenário), como “country muzak”, também explica o cenário em pouquíssimas palavras.
- Em “Pulp Fiction”, há um parágrafo de abertura que explica o cenário:
- Tarantino fornece detalhes básicos sobre quantas pessoas estão no cenário (“muitas pessoas”, rapazes e moças), e fornece descrições específicas, mas breves, desses dois personagens. Todos esses detalhes criam um entendimento básico da descrição e dos personagens que serão desenvolvidos por meio do diálogo.
LOUISE é garçonete em um café. Ele tinha trinta e poucos anos, mas não era velho demais para ser um servo. Ela está muito bonita e bem arrumada, mesmo depois do fim do turno. Ele colocou as xícaras sujas na bandeja embaixo do balcão. Suas ações criaram uma confusão, o que ele fez de propósito. COUNTRY MUZAK estava tocando no b.g., e ele cantarolava com a música.
Denny está em seu café de sempre, como o Spires em Los Angeles. São 9:00 agora. Embora o local não estivesse muito cheio, havia várias pessoas tomando café, mastigando bacon e comendo ovos.
Dois deles são um JOVEM e uma JOVEM MULHER. O Jovem tinha um pouco de sotaque britânico da classe trabalhadora e, como os britânicos, fumava como se estivesse fora de moda.
Era muito difícil determinar de onde a jovem veio e quantos anos ela tinha; tudo o que ele faz agora é o oposto do que costumava fazer. Os dois se sentaram à mesa. O diálogo deles é dito em um ritmo rápido como "HIS GIRL FRIDAY".
Etapa 6. Observe o diálogo no cenário de exemplo
A maioria dos cenários está repleta de diálogo, mas isso não é sem razão. O diálogo é a principal ferramenta que um roteirista tem para contar uma história em um filme. Observe como certos personagens usam a linguagem em seus diálogos.
- Por exemplo, Tarantino tem um personagem chamado Jules no filme “Pulp Fiction” que usa gírias como “O que quer dizer?”Em vez de“O que você quer dizer?”(“O que você quer dizer?”) E inclui um discurso retórico no diálogo de Jules. Isso ajuda a formar o caráter geral de Jules, bem como sua personalidade.
- Em "Thelma & Louise", a personagem de Louise usa "Jesus Cristo" e "pelo amor de Deus" ao longo de seu diálogo. Isso está em contraste com o diálogo mais formal e educado de Thelma. Ao fazer isso, o roteirista, Khouri, coloca os dois personagens um contra o outro e mostra ao público como cada personagem pensa e age ao longo do diálogo.
Etapa 7. Observe a utilidade da descrição ou do comportamento do comando na caixa de diálogo
Uma dica visual é uma breve descrição escrita antes de o diálogo ser falado. Esta nota será escrita usando parênteses antes da caixa de diálogo do personagem.
- Por exemplo, em "Quando Harry encontrou Sally", Ephron observa "(faça um zumbido)" antes do diálogo de Harry. Esta é uma pequena nota, mas mostra claramente que Harry tem um certo senso de humor e maneira de falar como personagem.
- Isso também pode ser feito com apenas uma descrição de palavra entre os diálogos. Em “Pulp Fiction”, Tarantino observa que um garçom se comporta “(impetuoso)” ao dizer algo a um dos personagens. Esta descrição dá ao garçom uma certa atitude e fornece contexto para o diálogo.
- Forneça ordens de ação apenas quando necessário. Não confie nos mandamentos de comportamento para contar a história. O diálogo e as ações dos personagens devem ser capazes de contar a cena com eficácia, sem comandar comportamentos.
Etapa 8. Observe como o cenário se move de uma cena para outra
A maioria dos cenários se moverá de uma cena para outra com uma nota “CUT TO:” indicando que haverá um corte de cena para cena. O corte de uma cena só deve ser feito quando você passa para uma nova cena ou imagem. Em "Pulp Fiction", há dois personagens conversando no carro e depois os mesmos dois personagens abrem o porta-malas do carro.
Você também pode ver uma nota: “FADE IN” ou “FADE OUT”. O fade in normalmente é feito no início do filme, como no filme "Quando Harry Met Sally", e no final é chamado de fade out. Fade in fornece uma abertura suave para uma cena para dar ao público tempo para se preparar para assistir a cena
Etapa 9. Preste atenção a outras notas em diferentes tipos de fotos, como close-ups ou fotos de rastreamento
Observe como o roteirista usa notas breves específicas para criar uma imagem ou momento específico de um personagem. A maioria dos roteiristas só usa notas filmadas quando acham que é importante escrevê-las e tornaria a história melhor.
- Por exemplo, em “Pulp Fiction”, Tarantino abre uma cena com a nota:
- Isso indica que a câmera se moverá com os assassinos enquanto eles caminham, criando uma atmosfera semelhante ao movimento na tela.
EXT. PÁGINA DE EDIFÍCIO DE APARTAMENTOS - MANHÃ
Vincent e Jules, em seus longos casacos combinando pendurados no chão, atravessaram o pátio do que parecia ser um prédio de apartamentos no estilo de uma fazenda de Hollywood.
Mantenha TRACK ao lado deles.
Parte 2 de 3: Escrevendo o roteiro
Etapa 1. Pense em ideias para histórias
Uma das melhores maneiras de fazer isso é pensar nos personagens do filme que você gostaria de ver na tela. Você gosta de certos gêneros, como comédias românticas, filmes de ação ou terror? Considere criar um roteiro baseado em um filme de que você goste. É provável que você descubra mais sobre o gênero pelo qual é apaixonado e sua paixão será mostrada nos cenários que você criar.
- Você também pode pensar nas lembranças da infância que sempre o assombraram quando adulto ou nas experiências de adulto nas quais você sempre pensa.
- Você pode ser atraído por um determinado período de tempo, como o centro de Nova York nos anos 50 ou Califórnia nos anos 70, e começar a ter ideias para histórias em que vários personagens interagem entre si ao longo de um período de tempo ou cenário.
- Escreva sobre seus sentimentos e algumas pessoas que você conhece e gosta. Isso ajudará o público a entender sua história.
Etapa 2. Identifique um líder masculino ou feminino
Crie um personagem que você sinta que pode descrever em 300 páginas - alguém que pode prender a atenção de você e do público. Pense em pessoas que você conhece, pessoas sobre as quais leu no jornal ou que chamaram sua atenção na rua ou no supermercado. O personagem principal pode estar relacionado a um tema, como guerra, solidão ou amor. Além disso, seu personagem principal pode ser sua reação a um estereótipo de um gênero ou tema, como uma bruxa solitária que anseia por amor ou um bandido de coração mole.
- Crie um perfil de personagem para o seu personagem principal. Os perfis dos personagens são postagens em forma de questionário que permitem ao escritor saber mais sobre seus personagens.
- Os detalhes que você escreve no perfil do personagem não aparecerão no cenário. Mas saber tudo sobre seus personagens o ajudará a pensar que eles são pessoas reais. Você pode se perguntar: “O que meu personagem principal fará nesta cena? O que meu personagem principal dirá com essas palavras?” e tenha a confiança de que você tem as respostas que irão melhorar seu cenário.
Etapa 3. Crie uma linha de registro
Uma linha de registro é a conclusão de sua história em uma frase e é comumente usada como uma ferramenta de marketing, como quando um executivo de estúdio pede que você forneça seu melhor argumento de venda. Este arremesso deve ser sua linha de registro. As linhas de registro também ajudam a concentrar sua escrita nos aspectos mais importantes de sua história e mantê-la no caminho certo. A linha de registro geralmente contém três elementos:
- Protagonista: Este é o seu personagem principal - a pessoa que conquistará a simpatia do público ou, pelo menos, fará com que o público sinta o que ele sente. Você pode ter mais de um personagem principal, mas cada protagonista é diferente e tem suas próprias qualidades. Por exemplo, em “Thelma & Louise”, os protagonistas são Thelma e Louise, mas os dois personagens têm objetivos, motivações e perspectivas diferentes no roteiro.
- Antagonista: este é o oponente do seu personagem principal - alguém que sempre se opõe ao protagonista. Em “Thelma & Louise”, o antagonista é um homem que tenta estuprar Thelma em um bar. No entanto, o antagonista no roteiro se torna "a lei" quando Thelma e Louise se tornam fugitivas por atirar em um homem que tentou estuprar Thelma.
- Objetivo: é o que mantém o protagonista motivado e impulsionado a seguir em frente. O que seu personagem principal quer? Thelma e Louise queriam coisas diferentes no início do roteiro, mas depois que o antagonista apareceu, ambas agora queriam se livrar da ameaça da prisão. Esses dois personagens compartilham um objetivo comum que os leva a avançar no roteiro.
- A linha de registro completa para o cenário “Thelma & Louise” poderia ser escrita assim: “Uma empregada e dona de casa de Arkansas atirou em um estuprador e fugiu em um Thunderbird 1966”. Lembre-se de que a linha de registro não usa nomes de personagens, mas apenas se concentra em sua persona ou tipo de personagem.
Etapa 4. Escreva um tratamento
No negócio de roteiristas, o tratamento permitirá ao executivo do estúdio saber se sua ideia valerá o dinheiro. Como um esboço inicial de um roteiro, o tratamento também pode ser uma ferramenta útil para enquadrar sua história e pensar sobre o esboço inicial. O tratamento é um resumo de duas a cinco páginas que divide a história em três partes:
- Título do filme: O título do filme pode mudar de tempos em tempos, mas é uma boa ideia pensar em um título que possa resumir seu roteiro. Os melhores títulos são geralmente simples e diretos, por exemplo: “Quando Harry Met Sally” ou “Pulp Fiction”. O título não deve apenas deixar o leitor ou espectador ciente de seu roteiro geral, mas também mantê-los interessados o suficiente para continuar lendo ou assistindo. Evite títulos longos ou ineficazes, como títulos que devem usar dois-pontos. Embora seja normalmente usado para grandes filmes (especialmente sequências), o uso de dois pontos pode indicar que sua ideia está fora de foco.
- Linha de registro: pegue a linha de registro que você criou na etapa anterior e coloque-a no início do tratamento.
- Sinopse: Expande a linha de registro para incluir os nomes dos personagens, pequenos detalhes sobre suas personalidades e uma ideia básica de como eles vão do ponto A ao ponto B na história. Por exemplo, uma sinopse para Thelma e Louise”poderia ser escrita assim:“A gentil dona de casa Thelma foi com sua amiga Louise, a garçonete teimosa, para uma pescaria de fim de semana. No entanto, sua jornada se transforma em uma brincadeira com as autoridades quando Louise atira e mata um homem que estava tentando estuprar Thelma em um bar. Louise decidiu ir para o México e Thelma a seguiu. No caminho, Thelma se apaixona por um jovem ladrão sexy chamado J. D. e um detetive simpático à situação deles tenta convencer os dois a se entregarem antes que seu destino seja irreversível”.
- O tratamento também pode incluir fragmentos de diálogos e descrições. No entanto, o foco principal continua sendo resumir o conteúdo geral da história.
Etapa 5. Descreva o cenário
É quando você se concentra na estrutura do cenário. O esboço do cenário é um guia para você contar sua história de maneira eficaz. A duração de um roteiro geralmente consiste em 50-70 cenas. Cada cena deve ter um cenário e algo que aconteceu por causa do seu personagem, ou algo que aconteceu como resultado do seu personagem. Essas cenas de 50-70 devem ser a essência de sua história. A maioria dos roteiros completos tem 100-120 páginas e é dividida em três atos:
- O Ato 1 tem cerca de 30 páginas e apresenta cenários, personagens e eventos interessantes. Eventos interessantes, ou eventos que movem seu protagonista para frente, geralmente têm de 10 a 15 páginas no roteiro.
- O Ato 2 tem cerca de 60 páginas e é a essência de sua história. É aqui que o protagonista identifica seu objetivo e enfrenta vários obstáculos que vão contra seus objetivos e metas. Esses problemas ou questões irão piorar, ou os objetivos do protagonista se tornarão cada vez mais difíceis de alcançar. As tensões devem continuar aumentando no segundo semestre.
- O Ato 3 é geralmente mais curto do que o Ato 1, que tem cerca de 20 a 30 páginas. Aqui você criará o clímax da história - a última tentativa do protagonista de atingir seu objetivo. Este clímax também determinará o final do cenário. Assim que o obstáculo for eliminado, o personagem principal pode subir em seu cavalo e correr para o pôr do sol, ou pode ser derrubado por seu próprio cavalo.
- Lembre-se de que você não precisa determinar quantas cenas existem em seu roteiro até que tenha concluído o primeiro rascunho ou rascunho do roteiro. No entanto, lembre-se desses números ao escrever. Muito provavelmente, você terá que cortar o cenário e editá-lo para criar um cenário estruturado em torno dos três atos.
Etapa 6. Crie um rascunho rápido
Um rascunho rápido é quando você escreve um roteiro rapidamente e não pensa muito sobre o que está escrevendo, e não o edita com antecedência. Alguns roteiristas tentam escrever este rascunho em uma semana ou vários dias. Se você começar com uma linha de log, declaração e esboço de história fortes, você também pode criar um rascunho relâmpago forte.
Concentre-se em obter ideias ao criar seu rascunho em flash. Parar de escrever para chorar sobre as escolhas de palavras ou editar texto pode atrapalhar o processo de escrita do roteiro. Apenas escreva
Etapa 7. Escreva visualmente
Lembre-se de que você está escrevendo para mídia visual. Concentre-se no que você pode ver ou ouvir na tela e não sinta que tudo precisa ser explicado ao visualizador.
- Por exemplo, em “Pulp Fiction”, Tarantino descreve o uso de drogas usando várias técnicas de close-up que mostram o que é visto e ouvido na tela.
- Tarantino não usa muitos adjetivos ou descrições claras, mas o espaçamento do roteiro e as descrições que usa descrevem a cena com clareza. Ao usar descrições, torne-as o mais específicas e cativantes possível, como “surto” em vez de “movimentos” e “embarcações” em vez de “braços”.
- Não tenha medo de deixar um espaço vazio na página. Tarantino usa esse espaço vazio para mostrar que cada cena vai deixar o público chocado e atordoado. Os espectadores experimentarão a emoção do uso de drogas sem ter que gravar por muito tempo ou ocupar muito tempo na tela.
CLOSEUP - SISTEMA
Entre nas veias de Vincent.
CLOSEUP - SANGUE
Bursted e subiu para a dose, misturado com heroína.
CLOSE UP - VINCENT THUMBS
Pressione o êmbolo de injeção.
Etapa 8. Limite a caixa de diálogo a três linhas ou menos
Cerca de 95% do diálogo deve ser curto e direto. O uso de monólogos na escrita do roteiro também é importante e pode ser bem feito (como o monólogo de Jules em "Pulp Fiction" ou o monólogo de Harry no final de "When Harry Met Sally"). No entanto, a maior parte do diálogo deve ser apresentada como se estivesse jogando pingue-pongue. Evite palavras que soem como prosa. Piadas que vão juntas farão com que a cena corra bem no cenário que você criar.
- Por exemplo, na cena do jantar no filme “Quando Harry Met Sally”, Ephron usa o diálogo para fazer a cena fluir naturalmente e mostrar a personalidade do personagem:
ATORMENTAR
Então, como você terminou com Sheldon?
SALLY
Como você sabe que terminamos?
ATORMENTAR
Porque se você não fizesse, você não estaria me namorando agora, você estaria com Sheldon, o Poderoso.
SALLY
Um, eu não estou namorando você. Em segundo lugar, não é da sua conta se nós dois nos separamos.
ATORMENTAR
Sim você está certo. Não quero saber por quê.
SALLY
Caso você esteja se perguntando, nós terminamos porque ele estava com muito ciúme e porque eu estava com calcinha do Dias da Semana.
ATORMENTAR
(faça um zumbido)
interromper. Calcinhas do Dias da Semana?
SALLY
sim. A calcinha tinha os nomes dos dias da semana escritos nela, eu achava que era uma graça - e um dia, ela me disse, você nunca usa domingo. Ele ficou desconfiado. Onde é domingo? Onde faltou o domingo? E eu disse a ele, mas ele não acreditou.
ATORMENTAR
O que?
SALLY
A fábrica não escreve no domingo.
Etapa 9. Crie um diálogo diferente para cada personagem
Seu personagem é um indivíduo que vive e respira. Portanto, faça com que seu diálogo se relacione com sua personalidade, histórico e perspectiva de vida. Os jovens que cresceram em Jacarta, por exemplo, não terão os mesmos padrões de fala e gírias que as mulheres idosas que viveram em Surabaya na década de 1960. O diálogo deles deve parecer o diálogo que uma pessoa real diria.
- É importante criar diálogos de personagens diferentes se mais de um personagem estiver falando ao mesmo tempo em uma cena (o que a maioria dos cenários fará). Em “Thelma & Louise”, Khouri dá a cada personagem diferentes padrões de fala e gírias para ilustrar suas diferentes visões e pensamentos quando ambos estão na mesma cena.
- Não escreva coisas que são óbvias. O diálogo sempre deve ser capaz de dizer mais coisas de cada vez. Um diálogo que apenas informa ao leitor sobre a trajetória de um personagem ou apenas serve para responder às perguntas do personagem não é suficiente para ser um cenário. O diálogo do jantar em “Quando Harry Met Sally” não é apenas uma maneira simples para os dois personagens conversarem. Na verdade, a história que Sally conta a Harry ilustra sua perspectiva sobre relacionamentos românticos e suas próprias idéias sobre intimidade e honestidade.
- Se você for usar um monólogo em seu roteiro, use-o apenas uma ou duas vezes em todo o cenário e torne a cena significativa. Seu monólogo deve ser brilhante e necessário para o desenvolvimento da história e / ou do personagem.
- É tentador fazer um personagem parecer "elegante" usando uma linguagem arcaica, especialmente se você estiver escrevendo um filme de época ou de natureza histórica. Lembre-se de que seu personagem ainda precisa soar como uma pessoa real para o público moderno. Portanto, não se preocupe em usar uma linguagem complicada que não se adapta aos personagens do seu cenário.
Etapa 10. Entre em uma cena tarde e termine cedo
Não fique tentado a sobrescrever as descrições de seu personagem, cenário ou cena. Escrever um roteiro é menos focado em detalhes e mais em terminar uma cena mais cedo, então o público vai querer continuar assistindo. Um bom truque é cortar a primeira e a última frase de uma cena. Se a cena ainda puder ser executada sem essas duas frases, exclua-as.
Por exemplo, em “Pulp Fiction”, Tarantino encerra muitas cenas antes de momentos importantes, como quando dois assassinos matam um alvo ou quando uma pessoa poderosa dá um soco em alguém. Ele então cortou o momento importante diretamente em uma nova cena. Isso faz com que a ação na história flua suavemente e o público fique mais interessado
Etapa 11. Atribua grandes riscos e metas
Uma das coisas que mantém as pessoas interessadas em assistir a um filme é que você pode mostrar eventos e imagens importantes em um formato grande. Estes também são conhecidos como “peças predefinidas”. Cenários geralmente são uma série de cenas de alto impacto que chamam a atenção. No caso da maioria dos filmes de ação, isso é feito com exagero. Mesmo em um filme sobre duas pessoas conversando em ambientes diferentes (“Quando Harry encontrou Sally”) ou sobre duas mulheres em fuga (“Thelma e Louise”), deve haver sempre um grande risco e propósito para os personagens.
- Harry e Sally estão procurando por um amor e um companheiro e, após 10 anos de amizade, eles finalmente percebem que o que procuram está bem diante de seus olhos. Portanto, o risco é muito alto porque sua amizade pode acabar se o relacionamento amoroso não for bem e o objetivo também é alto porque ambos desejam atingir o mesmo objetivo: o amor.
- Thelma e Louise também tinham grandes riscos e objetivos. Vários eventos no filme colocam os dois personagens em situações que podem levá-los à prisão, e isso é um risco alto. Portanto, seu principal objetivo é evitar a lei e sair da situação atual e alcançar a liberdade.
Etapa 12. Certifique-se de que o cenário que você criou tenha um começo, meio e fim
Tudo terminará em uma estrutura de três atos. Seu roteiro, não importa quão único ou interessante seja o assunto, deve se enquadrar em três atos. Deve haver o Ato 1 com cenas interessantes, o Ato 2 onde são mostrados os objetivos do protagonista, bem como conflitos ou obstáculos crescentes que o impedem de atingir seus objetivos, e o Ato 3 com o clímax e o final da história.
Parte 3 de 3: Revisando o cenário
Etapa 1. Verifique o formato do seu cenário
Seu roteiro agora é criado em pelo menos um rascunho, ou vários rascunhos. No entanto, antes de lê-lo para outras pessoas ou enviá-lo para um executivo de estudos interessado, você deve verificar se o seu manuscrito está formatado corretamente.
- Verifique se o script começa com “Fade in”, o título da cena e uma descrição do cenário.
- Certifique-se de que o script contém várias linhas de descrição para cada personagem, especialmente se esta for a primeira vez que o personagem aparece no script.
- Lembre-se de que todos os nomes de caracteres e sons devem ser escritos em maiúscula.
- Certifique-se de que todos os comandos sejam executados entre parênteses.
- Verifique as transições, como “Cut to”, “Fade to” ou “Dissolve to” entre as cenas.
- Certifique-se de que há uma nota no final da página que diz (CONTINUAÇÃO) se a página foi cortada no meio de um diálogo ou cena.
- Verifique os números das páginas no canto superior direito de cada página.
Etapa 2. Leia seu cenário em voz alta
No ramo cinematográfico, depois de vendido seu roteiro, essa leitura acontecerá em uma mesa redonda com os atores e atrizes selecionados para interpretar os personagens de seu roteiro.
